Экспонаты Русского музея (Конкурсные работы 2021 года)

Автор видео Губанова Диана

Мечтая соединить в своем творчестве искусство с жизнью, Врубель работал над поисками высокого монументального стиля и особой национальной формы, используя в произведениях орнаментально-ритмические решения. Все это сближало его со стилем “модерн”, для которого характерны также и контрастный переход от статики к движению, от душевного покоя к внезапной взволнованности. Для художественного языка модерна характерна особая плавность форм, вытянутость фигур, подчёркнутость контуров, использование растительных мотивов. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетаются в причудливый узор, в котором иногда появляются фигуры женщин или фантастических существ.
Модерн обнаруживает пристрастие к аллегорическим сюжетам, которое можно наблюдать и в панно «Утро». В нем пробуждающаяся природа олицетворена в четырех аллегорических фигурах русалок. Среди чарующего сплетения гигантских деревьев, густых трав и причудливых цветов возвышается фигура обнаженной женщины, встречающей восходящий свет. Его художник называет “Лучом” и олицетворяет с другой героиней, причудливо изогнувшейся и устремившейся из лесных зарослей к небу. Ниже, из густой травы, переходящей в болотные заросли, выступает третья «Фея», представляющая пробуждение от сна. Ее лицо еще неподвижно, только открылись большие темные глаза, в которых появляется первая утренняя мысль, как продолжение последнего сновидения. Четвертая фигура справа дана фрагментарно: изображена женская голова с выражением страха и отчаяния.
Когда Врубеля просили объяснить значение этой фигуры, он отвечал: «Это сказка». Четыре женских изображения усиливают общий эмоциональный настрой пейзажа, его поэтичность и музыкальность. Образы, созданные художником, многозначны и вызывают самые разные чувства, испытываемые человеком. Колорит панно, созданный из зеленых тонов, создает ощущение прохлады раннего утра, когда солнце еще только должно появиться из-за невидимого горизонта.
Данное произведение — одно из трех декоративно-монументальных панно, объединенных общей темой «Времена дня», было исполнено Врубелем для интерьера московского дома С. Т. Морозова на Малой Спиридоновке (проект архитектора московского модерна Ф. О. Шехтеля).

Автор видео Юнев Роман

Иван Константинович Айвазовский (1817-1900) – выдающийся мастер морского пейзажа (марины) середины – второй половины XIX века. Родившись вблизи моря, в Феодосии, художник на протяжении всей жизни оставался верен излюбленной стихии, посвятив ей все свое многолетнее творчество.
Созданная в 1850 картина «Девятый вал» сразу же стала самой знаменитой из всех его марин и была приобретена Николаем I. Известный коллекционер П. М. Третьяков стал интересоваться успехами Айвазовского, отслеживал его произведения на выставках и посещал мастерскую живописца в Феодосии. В одном из восторженных писем художнику Третьяков писал: « …дайте мне только Вашу волшебную воду такою, которая вполне бы передавала Ваш бесподобный талант! .. уж очень хочется поскорее иметь Вашу картину в своей коллекции!».
Изображенное после ночной бури море, едва переведя дух, должно встретиться с девятым валом. По легенде, именно он – апогей штормов. За обломки мачт корабля цепляются выжившие изнемогающие мореплаватели. Озаренное рассветным солнцем небо словно сулит им победу.
Такие произведения создаются в счастливые моменты творческого подъема. Вслед за картиной Айвазовский написал целую серию «бурь» (Корабль среди бурного моря, Радуга). Они чередуются с изображениями спокойного элегического моря, выдающего в их авторе последнего представителя живописи эпохи романтизма.

Автор видео Григорян Лала

Еще в годы ученичества Малявин приобщился к широкой („цорновской“) манере импрессионистического письма, создав ставшие классикой отечественной живописи серии портретов крестьянок и соучеников по Академии. На грани веков художник открыл в своих односельчанках новое, ранее неизвестное отечественному искусству – дерзкое, независимое, бунтующее начало. Его полыхающие красными тонами, большеформатные „Смех“, „Вихрь“, „Пляшущая баба“, импрессионистические по своим ранее неведомым живописи задачам, представляют собой сложный симбиоз черт символизма, импрессионизма и экспрессионизма.

Автор видео Артемьев Максим

На «Последней футуристической выставке картин» 1915 года, названной «0,10», (так как 10 ее участников решили свести все предметные формы к «0» и шагнуть за «0» в беспредметность), Малевич показывает 39 абстрактных композиций, представленных под названием «Новый живописный реализм» – супрематизм, от латинского «supremus» – «высший». Объясняя происхождение изобретенного направления, автор выводил его из кубизма, о чем и пишет в специально составленной брошюре «От кубизма к супрематизму». Позднее практически вся живопись, которая предшествовала искусству XX века, была включена в этот поток, и Малевич считал, что венчает это мощное мировое движение именно искусство геометрической абстракции.
Супрематизм Малевича в собрании Русского музея представлен классическими образцами, дающими представление о трех его этапах: «Супрематизм в своем историческом развитии имел три ступени черного, цветного и белого», – писал художник в одном из своих теоретических трудов. Черный этап, по мысли автора, также начинался с трех форм – квадрата, креста, круга – трех геометрических элементов живописи – ее фундамента и алфавита.
«Черный квадрат» Малевич определил как «нуль форм», базисный элемент мира и бытия. Он словно вобрал в себя все формы и все краски мира, сведя их к пластической формуле, где доминирует полюсность черного (полное отсутствие цвета и света ) и белого (одновременное присутствие всех цветов и света). Подчеркнуто простая геометрическая форма-знак, не увязанная ни ассоциативно, ни пластически, ни идейно ни с каким образом, предметом, понятием, уже существовавшем в мире до нее, свидетельствовала об абсолютной свободе ее создателя.
«Черный квадрат» знаменовал чистый акт творения, осуществленный Художником. Он стал ядром, центром новой системы, из которого выводились все другие супематические формы. «Черный квадрат – зародыш всех возможностей, – писал Малевич. – Он является родоначальником шара или куба, из нескольких квадратов можно сложить прямоугольник или крест. Черный квадрат принимает при своем развитии страшную силу, его распадение несет удивительную культуру в живопись».

Малевич использует простейшие геометрические фигуры. Взятые в абсолютной „чистоте“, как некая первооснова языка искусства, они равнозначны живописной „формуле“, которая в сознании художника, как, вероятно, в сознании средневекового алхимика, имеет сакральный смысл. Не случайно первый вариант „Черного квадрата“ Малевич выставил на выставке „0,10“, как икону, повесив по русскому обычаю в правом, „красном“ углу.
Икона — знак нового времени — так воспринимали современники „Черный квадрат“, возможно, полагаясь и на собственные высказывания Малевича: „У меня — одна голая, без рамы (как карман) икона моего времени…“. „Черный квадрат“ еще при жизни художника становится неким символом искусства Малевича, а точнее — повествующей о себе на супрематическом языке „творческой религии“.
«Черный квадрат», «Черный круг», «Черный крест» были написаны около 1923 года и предназначались для Международной выставки в Венеции. Однако там они так и не были показаны из-за интриг российских устроителей. Это обстоятельство чрезвычайно оскорбило Малевича. Хотя уже тогда он начал осознавать, что геометрический супрематизм, названный им «живописным реализмом», достиг предела своего развития.

Авторы видео Кричевская Дарья, Яшкова Ангелина

Картина Серова В.А. «Дети» была написана в 1899 году как групповой портрет, но получилась достаточно разноплановая работа. На этой картине изображены 2 сыновей В.А. Сурова. Это 7-летний Саша и 5-летний Юра. Они главные герои картины. Эти мальчики стоят на террасе дачи.
Взгляд старшего мальчика устремлен вдаль, на развернувшийся перед ним вид Финского залива и вечернего неба. Младший брат смотрит на зрителя. Эта жанровая картина, но при этом еще и портрет 2 мальчиков. Оба мальчика одеты одинаково. При этом оба мальчика довольно похожи, у них темные волосы, они вьются, и беспорядочно падают на лоб.
На картине можно проследить и различие характеров детей. Старший брат сосредоточенно наблюдает открывшуюся перед ним картину вечернего залива, младший мечтательно задумчиво смотрит вперед. Характеры детей тонко подмечены и мастерски изображены благодаря их жестам и позам. Объективность передачи этого характера передан так, когда ребенок остается один, и безмятежно наблюдает за происходящим вокруг.
Помимо главных героев, детей, художник подробно изобразил открывшийся зрителю залив, небольшие лодочки, причаленные к берегу. Некоторые плавают по водной глади вдалеке.
Все образы, переданные художником, удачно и гармонично связаны друг с другом. Водная гладь, и темнеющее небо, показывают, что художник хотел показать вечернее небо, тяжелые облака.
Картина перед нами – это и портрет, и жанровая сценка, и пейзаж. Серов написал эту картину не на заказ, а для себя. Оба мальчика получились в естественных позах, они сливаются с пейзажем. Перед нами предстает единый сюжет. Зрителю достаточно легко поймать это настроение, которое хотел передать художник, и в котором он сам находился, когда писал этот портрет.