Экспонаты Русского музея (Конкурсные работы 2019 года)

Рассматривая это небольшое программное полотно Венецианова, мы словно проникаем под низко нависшие, потемневшие стропила старинного гумна, где крестьяне заняты своими повседневными делами. Замысел картины возник у художника под влиянием эрмитажного полотна Франсуа Гране «Внутренний вид капуцинского монастыря в Риме». Венецианов восхищался этой работой, благодаря которой он осознал важность перспективы для изображения натуры — «оживотворения», как говорил он сам. Действительно, перспективы господствуют в картине: тщательно приведены к единой точке схода линии, образованные бревнами и балками. Фигуры тоже нужны автору как перспективные «вехи» — уменьшаясь в масштабе, они дают нам представление о глубине пространства. Интересно отметить, что художник спилил переднюю стенку настоящего гумна в своем имении, чтобы писать его с натуры и более точно передать освещение. Работа над «Гумном», требующая натуры, вероятно, началась летом 1822 и продолжалась летом 1823 в Сафонкове. В апреле 1824 Венецианов поднес картину императору Александру I, а 29 апреля она была внесена в каталог Императорского Эрмитажа. Художник получил за нее 3000 рублей.

В поисках сюжета для крупного произведения художник руководствовался стремлением показать некое реальное событие прошлого на точной документальной основе. Во время пребывания в Италии художнику довелось побывать на археологических раскопках, открывших миру древние города Помпеи и Геркуланум, погребенные при извержении Везувия 24 августа 79 года. Созданию картины предшествовало пристальное изучение исторических источников (в том числе писем очевидца, историка Плиния Младшего) и памятников древности.
Прославившее художника полотно изображает не только трагедию народа, гибнущего в столкновении со стихией, но и смену исторических эпох – зарождение на обломках старого языческого мира новой христианской цивилизации. Трагедия пробуждает в героях самые разные чувства – отчаяние и страх, любовь и стремление защитить близких. Это позволило, по словам Н. В. Гоголя, показать все “верховное, физическое и нравственное совершенство” человека. Следуя традиции искусства Возрождения, художник изобразил в левой части картины себя самого с принадлежностями живописца. Избранная тема в высшей степени характерна для искусства романтической эпохи – она была использована и в музыке (опера Пачини), и в литературе (роман Бульвер-Литтона).
Официальный заказчик картины – промышленник, ученый и меценат А. Н. Демидов. Первоначально полотно с огромным успехом показывалось в Риме, Милане, Париже.
Летом 1834 года картина была отправлена из Франции в Санкт-Петербург, где Демидов преподнёс её императору Николаю I. В августе 1834 года картина была помещена в Эрмитаже, а в конце сентября того же года полотно было перемещено в отдельный зал Академии художеств для всеобщего обозрения. В 1851 году картина поступила в Новый Эрмитаж, а в 1897 году была передана в создаваемую в то время коллекцию Русского музея императора Александра III (ныне — Государственный Русский музей)

Это грандиозное полотно написано по правительственному заказу в связи со 100-летним юбилеем, предназначалось для огромного белоколонного зала заседаний Государственного совета в Мариинском дворце.

В работе над картиной, продолжавшейся в течение трех лет, принимали участие ученики художника – Б. М. Кустодиев (правая часть) и И. С. Куликов (левая). По словам И. Э. Грабаря, при создании полотна “хозяином, командиром и истинным творцом оставался сам мастер, ученики были только его послушными руками”.

Все члены учрежденного Александром I Государственного совета присутствуют в Круглом зале Мариинского дворца. На центральном месте Николай II и представители императорского дома, занимающие важнейшие посты в государстве. Справа от царя — его младший брат, в то время наследник престола цесаревич Михаил, слева — великий князь Михаил Николаевич (брат Александра II). Поблизости от царской семьи — председатель Комитета министров И. Н. Дурново, министр иностранных дел В. Н. Ламздорф, оберпрокурор Святейшего Синода К. П. Победоносцев и другие. Всего на портрете изображен восемьдесят один член Совета, среди них С. Ю. Витте, П. П. Семенов-Тян-Шанский и др.

Картине предшествовали написанный во время заседания Государственного совета эскиз, многочисленные этюды и портреты отдельных участников собрания. Они принадлежат к числу высших достижений художника в области портрета.

Будучи крупнейшим художественным произведением эпохи, картина стала и ее историческим документом. Репину удалось убедительно построить большое живописное изображение и добиться гармоничного цветового решения полотна.

Идея „создать Христа не только грядущего, но уже пришедшего в мир и совершающего свой путь среди народа“ появилась у Поленова в юности под влиянием творчества А. А. Иванова. Для воссоздания исторически достоверной обстановки Поленов в 1881–1882 совершил путешествие по Египту, Сирии, Палестине, Греции, а зимой 1883–1884 жил в Риме. Во время этих поездок он создал множество портретов, архитектурных и пейзажных этюдов. Первоначально в название картины была вынесена евангельская фраза: “Кто из вас без греха”, но по настоянию цензуры название было изменено на “Христос и грешница”. “Оно и не мое, и не соответствует евангельскому рассказу”, — писал в одном из писем Поленов.

Впервые картина была показана на XV выставке Товарищества передвижных художественных выставок в 1887. Перед глазами зрителей предстала сцена, основной смысл которой заключался, по мысли художника, в несении людям идеи добра и прощения. “Кто из вас без греха, первый брось в нее камень”, — ответил Христос разгневанной толпе во главе с книжниками и фарисеями, ведущими охваченную страхом, изобличенную в прелюбодеянии женщину, на вопрос, как поступить с ней, подлежащей по закону Моисея избиению камнями. Согласно Евангелию, люди, “обличаемы совестью”, разошлись.

Действие разворачивается на площадке перед величественным древним храмом. Слева от ступеней храма – Христос с учениками. Толпа занимает на полотне правую сторону. Драматургию сюжета составляет противостояние толпы и Христа. Самоуглубленный поленовский Христос выражает мироощущение живописца, в основе которого стремление к красоте и гармонии окружающего мира. Картина, не соответствовавшая канонам ни академической, ни религиозной живописи, вызвала горячие споры современников.

К.С.Малевич яркий представитель сюрреализма, так неразвитого в России в то время. Его картины поражают своей оригинальностью, персонажи несовместимостью, а цвета порой своей мрачностью.

Работа «Корова и скрипка» одна из самых ярких и необычных картин. Написана картина на деревянной дощечке. В то время художник испытывал нужду и не мог позволить себе купить дорогой холст. Тогда он использовал в качестве холста часть деревянной полки, на которой даже остались отверстия для крепления.

Работа выполнена в свойственных для живописца цветах. Темный фон говорит о печали художника, его мрачном настроении. Идеей произведения послужили стандарты, на которых базировалось искусства того времени. Музыка должна была создаваться по правилам, литература обязана соответствовать определенным стандартам и живопись оценивали, исходя из заданных параметров работ.